Les expositions

Du papier au digital, il n’y a qu’un pas, que les deux partenaires ont décidé de franchir en unissant leurs expertises. Depuis la première édition de Tintin au pays des Soviets en 1929 jusqu’aux parutions les plus récentes, « Tintin, l’aventure immersive » fait honneur au célèbre reporter à la houppette, ce grand voyageur dont les péripéties autour du monde s’inscrivent dans la culture populaire depuis près de 100 ans.

Paris et New York, capitales emblématiques de l’art moderne, représentent deux étapes cruciales dans la longue trajectoire de l’artiste. Paris est sa ville d’élection, offrant, grâce aux avant-gardes des années 1910, un vivier de recherches expérimentales au jeune peintre d’origine russe, qui les nourrit de ses propres références culturelles. New York est d’abord un lieu d’exil dans les difficiles années 1940, qui, pourtant, donnera une nouvelle impulsion à la créativité de l’artiste.

Promenez-vous dans la réalité du quotidien, sur les pas des grands maîtres qui abordent l’ordinaire de façon extraordinaire. Peindre la lumière et son atmosphère, tel est le fil rouge du parcours. Directe ou tamisée, froide ou solaire, la lumière révèle les façades et l’intimité des foyers.

Dans un jeu d’horizontales et de verticales depuis le figuratif vers l’abstrait, cette exposition immersive vous propose de suivre l’évolution artistique du peintre, qui s’affranchit de la peinture traditionnelle pour s’immerger dans une peinture visionnaire : le Néo-plasticisme.

Cette expérience immersive nous raconte de manière poétique la naissance de la synesthésie, en nous emmenant à travers des mondes où vibrations sonores et couleurs chatoyantes se connectent de manières surprenantes.

Sous la forme d’une dizaine de tableaux, suivez le Passeur, au gré des courants, voguant sur sa barque, transportant avec lui un pot où pousse, séquences après séquences, un arbre.

Une pièce qui explore la notion admise de ce qu’est le paysage, en utilisant la notation algorithmique. Une vision singulière qui nous conduit dans un monde d’abstraction dans un paysage sans fin. Là, la perception de chaque instant projette notre imagination vers de nouveaux horizons étranges, des terres inexplorées qui semblent n’avoir aucune limite.

En s’aidant des dernières technologies de capture de mouvement, Nohlab a enregistré les gestes et déplacements des corps de cinq interprètes différents, en symbiose avec cinq courants musicaux. Nohlab a ensuite créé de magnifiques effets abstraits qui paraissent émaner directement des danseurs, fondus en une chorégraphie empreinte de poésie.

Découvrez toute l'étendue de son œuvre : de l’interprétation régionaliste de l’Espagne, à ses portraits de famille, paysages et jardins, en passant par les plages qui ont fait de lui une grande référence internationale.

En déambulant le long du Grand Canal et des canaux, des ruelles et des places, des bâtiments et des églises, savourez une promenade entre intérieurs et extérieurs, sacré et profane, à la recherche des symboles visibles d’un passé exceptionnel.

Plongez dans un dédale d’étoiles, de planètes, nébuleuses et supernovae. Un voyage unique qui débute au cœur de la forêt tropicale guyanaise et prend fin aux confins de l’univers. 
Après avoir quitté la Terre, sillonnez les canyons martiens aux côtés des rovers, plongez au cœur de Jupiter, survolez les anneaux de Saturne puis dépassez les frontières de notre système solaire afin d’explorer l’immensité de notre univers.

Au fil d’un parcours thématique, promenez-vous dans les paysages surréalistes et métaphysiques de l’artiste à l’imagination débordante. Rythmée par les musiques de Pink Floyd, cette création numérique rassemble deux icônes de la peinture et de la musique dans un imaginaire visuel étonnant où visions obsessionnelles et virtuosité technique se mêlent.

Cette exposition propose un voyage, entre rêve et réalité, du Parc Güell à la Casa Batlló en passant par la Casa Milà et la Sagrada Família. Entre spirales, couleurs éclatantes, bâtisses colossales et vertigineuses, l'exposition met en relief la création sans limite et l’audace de l’architecte catalan.

À travers un parcours thématique, intime et introspectif, l’exposition immersive révèle la tourmente intime de Cezanne, la force de ses constructions, son rapport à la lumière et aux couleurs et son lien avec la nature, qui reste son grand modèle, sa référence obsessionnelle. Embarquez pour un voyage au cœur des œuvres majeures de l’artiste aixois, suivant le fil rouge de la nature vers la Provence et la Sainte-Victoire.

Ce voyage décrit la transition des photons à travers toutes les couches de l’œil (iris, vitré, nerf optique…) jusqu’aux neurones et sa conversion en signaux électriques. Il décrit le processus de transformation des photons en une forme perceptible par notre cerveau.

« The Last Sentinels » mettent à l’honneur le travail du photographe international Jimmy Nelson, reconnu pour son engagement en faveur des communautés vivant en harmonie avec une nature aussi impressionnante que fragile. 

Ici, tout est bien réel, et surtout vivant. Chaque visuel de l’exposition se compose de véritables cellules : de l’électrisant neurone au fragile embryon en passant par les mélancoliques flux sanguins du cerveau. Le public découvre un univers aux couleurs chatoyantes et d’une diversité incroyable.

Peintre, poète, théoricien de l’art et fondateur de l’art abstrait, Kandinsky révolutionne l’histoire de l’art avec ses nombreuses compositions, aujourd’hui exposées à travers le monde. Véritable invitation au voyage dans le cosmos intérieur de l'artiste, l’exposition immersive invite le visiteur à perdre ses repères pour arriver à une osmose finale abstraite et libérée.

L'exposition « Gustav Klimt, d’or et de couleurs » est réalisée à partir d’œuvres de cette figure incontournable de la peinture symbolique viennoise. L’exposition numérique présente les œuvres qui ont fait la singularité et le succès de Klimt : sa période dorée, ses portraits et ses paysages. 

Entrez dans l'univers d'Hundertwasser ! À la fois peintre et architecte, il est l’héritier de la Sécession viennoise, quelques décennies plus tard. Comme Klimt et Schiele, Hundertwasser abandonne la perspective au profit d’une succession de plans et une ligne vivante traçant des formes irrégulières.

Cette exposition numérique révèle le lien entre la création artistique et les rives méditerranéennes, bassins majeurs de la modernité. Une immersion dans les chefs-d’œuvre d’une vingtaine d’artistes : Renoir, Monet, Pissarro, Matisse, Signac, Derain, Vlaminck, Dufy, Chagall...

Cette création d’une dizaine de minutes vous plonge dans la pluralité de l’oeuvre de l’artiste, au-delà de son célèbre bleu IKB (International Klein Blue). On y découvre, entre-autre, l’empreinte du corps avec ses Anthropométries ou de la nature avec ses Cosmogonies et ses Reliefs Planétaires.

Un parcours thématique balaye l’immense production de Van Gogh qui a évolué au fil des ans, de ses œuvres de jeunesse jusqu’à ses paysages ensoleillés et ses nocturnes du Sud qui ont révélé l’artiste que nous connaissons aujourd’hui. Le soleil de Provence, qui a révolutionné sa manière de peindre, illumine l’espace et les coups de brosse expressifs et les couleurs audacieuses se révèlent, soulignant un dialogue permanent entre l’ombre et la lumière. 

Cette exposition vous entraîne de l’ouverture d’un opéra dans une ville imaginaire à un concerto subaquatique au milieu de poissons d’or et multicolores, en passant par le rythme de ses structures géométriques. Des dizaines de portraits et marionnettes, qui se répondent sur l’air de Papageno, concluent cette parenthèse enchantée entre peinture et musique.

Memories place le visiteur au cœur de cette réflexion : faire coexister l’immensité du monde qui nous entoure et la place que nous y occupons. En immersion totale, dans un flux d’images et d’informations, chacun est libre de conserver en mémoire un peu de ce qui fait l'essence de cette parenthèse enchantée.

L’exposition immersive, ancrée dans l’Espagne, réunit de grands maîtres de la peinture moderne espagnole. La première partie met en scène les portraits et scènes de vie quotidienne de Goya, Rusiñol, Zuloaga et Sorolla. La seconde partie se concentre sur Picasso, sans conteste l’un des grands maîtres et influenceurs de l’art du XXe siècle, et propose un panorama de la grande richesse créative de son oeuvre.

De la cour royale aux scènes champêtres de Goya, à travers les jardins enchanteurs de Rusiñol, les portraits de Zuloaga et les scènes en bord de mer du lumineux Sorolla, vous êtes invités à prendre le large avant de plonger dans l’univers pictural foisonnant de Picasso et son oeuvre magistrale. Les formes distinctives des Demoiselles d’Avignon (1907), les rose et bleu apaisants de La Flûte de Pan (1923), mais aussi la puissance hostile de Guernica (1937) et les rives méditerranéennes de La Joie de Vivre (1946) vous transportent au coeur du génie créatif de l’artiste.

Japon Rêvé est une miniature en forme de promenade contemplative dans les décors de ce Japon qui n'existe plus mais qui n'en finit pas de nous fasciner. C'est par la nature que le Japon des maîtres de l'estampe commence à se raconter : la beauté éphémère des cerisiers en fleurs laisse la place à une forêt magique et mystérieuse habitée par les « yokai », les esprits du folklore japonais et puis la mer, l'iconique grande vague d'Hokusai submerge tout. 

Les traits des charmantes geishas, vêtues de leurs kimonos aux motifs élégants et colorés, se dévoilent de derrière les paravents en papier de riz et comme dans la nature où tout est question de contrastes, après tant de douceur, la danse guerrière des samouraïs nous emporte pour finalement nous laisser redescendre portés par le vent, parmi les lanternes qui flottent dans le ciel nocturne.

Découvrez une ville imaginaire et cette génération géniale de la fin des années '60 qui a changé le monde. Dans les rues de cette ville imaginaire raisonne la musique formidable des sixties, du mythique album Srg. Pepper des Beatles à la musique psychédélique de Jimy Hendrix en passant par les Rolling Stones, Simon and Garfunkel et les Beach Boys, un condensé de la grande diversité et créativité de cette époque.

Tous les courants de cette révolution culturelle qui devient "La culture populaire", l'art, la mode, les symboles et les icones de cette génération se mettent en scène pour plonger au cœur de cette période de l'histoire qui a été une formidable explosion créatrice.

En intime liaison avec la thématique exploitée - celle du devenir -, elle rend compte de l’immensité des possibles inhérents à la pensée. À l’unisson de ce que suggère son récit, le film joue du trouble et de la surprise afin de déployer une boucle dans laquelle se plonger.

Des triptyques de Bosch les plus emblématiques aux étonnantes compositions d'Arcimboldo faites de fleurs et de fruits en passant par les fêtes villageoises de la dynastie Bruegel, découvrez les univers fascinants de ces trois grands maîtres qui se sont attachés à représenter la vie, son mouvement et toute la dualité d'un monde oscillant entre le bien et le mal. S'ils partagent une grande finesse d'exécution dans le dessin, ils se retrouvent aussi sur le terrain d'une extrême inventivité. A l'imaginaire halluciné de Bosch et à la créativité des visages improbables d'Arcimboldo répond la trivialité joyeuse d'un Brueghel ancrant ses multiples personnages dans le réel.

Dans cette invitation à voyager dans l’univers poétique et surréaliste de Méliès, on découvre son atelier, véritable bric à brac où les rêves les plus fous prennent forme, on embarque dans une fusée, on atterit sur la lune, on explore le pôle nord, on plonge dans les abysses, on se perd au centre de la terre jusque dans la grotte des enfers... Au cours de cette aventure magique, on rencontre des monstres et des créatures merveilleuses et on se déplace au sein de paysages mouvants imaginés par Méliès. 

À l’aide d’un algorithme, ces images enivrantes évoluent et se mettent en mouvement pour composer un voyage sensoriel dans l’abstrait, des moments fugaces inspirés par les plus grands maîtres des lumières et des ombres.

Accompagnés d’éléments familiers du quotidien, les visuels et les sons suivent un narratif où convergent la science, la philosophie et la métaphysique. Tout au long de la création, une voix-off interroge les fondements de notre vie quotidienne, les limites de notre perception et la manière dont nous attribuons un sens aux choses.

« Anitya » est un voyage dans le passé vers le présent : le visiteur est d'abord plongé dans un fond marin puis explore l’intérieur d’un sous marin U-Boat : tuyauteries, boîtiers, valves tourbillonnent et se déconstruisent au rythme des machines dans un chaos graphique et laissent place à la Base sous-marine inhabitée, vide de toute occupation humaine.

Cette nouvelle expérience numérique temporaire construite par Spectre Lab, construite en 7 séquences, permet une immersion totale dans les plus beaux paysages du monde, des origines de la terre à l’époque contemporaine.

Une expérience poétique, émotionnelle et immersive diffusée dans LA HALLE, en programme court, tout au long de l’exposition.

Captations des mouvements de conceptions artisanales, grossies à l’extrême, Colours x Colours est une expérience visuelle où chaque forme, couleur et matière amènent à poser un regard nouveau sur la peinture, ses techniques et ses diverses réactions.

Les images spectaculaires de Thomas Vanz rendent compte de la puissance poétique et visuelle du cosmos et des étoiles. Plongé dans le monde impénétrable et mystérieux du cosmos, observez les mouvements harmonieux des astres accompagnés d’une composition orchestrale réalisée en duo avec le compositeur et designer sonore Jonathan Fitas.

Aux côtés de l’oeuvre peinte, l'exposition dévoile collages, mosaïques et vitraux montrant ainsi l’ampleur des talents de l’artiste. Une mer de couleurs vives et chatoyantes, caractéristiques du peintre, imprégne le lieu d’une atmosphère poétique.
Le choix musical destiné à la bande-son a été nourri des conseils du pianiste Mikhaïl Rudy, proche de Marc Chagall. Ainsi, musique et image se répondent dans un scénario faisant écho avec la monumentalité de l’espace. 

Les chefs-d’œuvre de Léonard de Vinci, Michel-Ange, et Raphaël, réalisés entre la fin du XVe siècle et le début du XVIe siècle à Florence, Milan et Rome sont mis en mouvement. Si le spectacle offre un face à face émouvant avec les portraits qui affichent en grand leur perfection, les fresques impressionnent autant par leur dimension monumentale que par l’extraordinaire galerie de personnages qui les peuple. Au cours du spectacle, certains détails des fresques habillant d’habitude les murs et voûtes d’églises, de villas et de palais italiens, sont plus particulièrement mis en scène, offrant au visiteur l’occasion unique de les voir comme il ne les a jamais vus.